Delitos y cine: programación de la Filmoteca y el Cerbuna

Jorge Marco, Pablo Gracia y Julio Beltrán//

 

Programación cinematográfica para la próxima quincena disponible en la Filmoteca de Zaragoza y en el Cine-club Cerbuna

 

Mystery train (Jim Jarmusch, 1989)

Si algo se le puede reconocer a Jim Jarmusch es que tiene universo. Basta muy poco tiempo para darse cuenta de que se está ante una obra suya. En sus films, Jarmusch presenta a un grupo de personajes entrañables que quedarán para siempre en nuestra memoria -como ese joven turista japonés que nunca sonríe o ese peluquero al que le da miedo entrar en un bar para gente de color- y que se verán enredados en situaciones de lo más pintorescas.

Mystery Train(2)Mystery train no es una excepción. Esta película ubicada en Memphis y dividida en tres historias -anticipando a su más perfeccionada, para nuestro gusto, Night on Earth– vuelve a conseguir ese halo de realismo mágico que Jarmusch maneja como nadie, usando como hilo conductor al rey del rock Elvis Presley, posiblemente la palabra más pronunciada a lo largo de toda la película.

El estilo del director estadounidense es sencillo, basado prácticamente en planos fijos, sin demasiados movimientos de cámara, dejando así que la historia avance apoyada en los diálogos que mantienen los personajes. Esto no es un aspecto negativo, ya que la puesta en escena y su uso del espacio demuestran la gran capacidad audiovisual que posee Jarmusch y que ha sabido demostrar en todas sus películas. Si algo se le puede criticar a esta obra en concreto es que parece no saber muy bien cómo terminar sus historias, alargándolas demasiado o terminándolas muy rápido. De todos modos, siempre es un placer sentarse a contemplar el trabajo de un director norteamericano con ideas,  estilo propio y un sentido del humor finísimo que sabe cómo narrar historias sencillas y crear magia a partir de lo cotidiano.

Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: días 1 y 2 de noviembre, a las 18:00 y 20:00 horas,  respectivamente

La perla (Emilio Fernández, 1947)

Con esta película el director mexicano Emilio Fernández, apodado “El indio”, usa el hallazgo de una perla como excusa para representar los más bajos sentimientos humanos. Rodada prácticamente en exteriores, la trama transcurre en un pobre pueblo costero en el que el hijo de la pareja protagonista sufre una picadura de alacrán. Al no poder pagar el tratamiento ni ser atendidos por el clasista y déspota médico, Quino -interpretado por Pedro Armendáriz- se sumerge numerosas veces en el mar, desesperado, hasta que encuentra una perla que supera todas sus expectativas.

La perla(2)

“El indio” descubre su capacidad cinematográfica filmando ese momento en contrapicado, con Quino elevando la perla al cielo mientras se ríe como un loco y con su mujer, Juana, agachada como si augurara lo que va a pasar. A partir de ese momento su vida comienza a convertirse en un infierno: todos los ricos del pueblo intentan una y otra vez arrebatarle su única fortuna, obligándolos a huir y a darles caza como si fueran animales.

Técnicamente La perla es maravillosa en cuanto a su fotografía en blanco y negro, austera pero poderosa, llena de planos de un cielo constantemente nublado. El reparto es competente, destacando -como es obvio- a la pareja protagonista. Aunque Emilio Fernández sabe en todo momento que no se trata de una película de personajes sino de sentimientos e instintos provocados por la codicia y la desesperación. Para ello se sustenta en un trabajo de dirección y de cámara espléndidos y difícilmente criticables.

 Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: días 1 y 3 de noviembre, a las 20:00 y 18:00 horas, respectivamente

Jinu yo saraba Kamuroba mura eaka / A Farewell to Jinu (Susuki Matsuo, 2015)

Susuki Matsuo continúa con esta película su apuesta por las comedias basadas en un argumento peculiar y un fino sentido del humor. Baste citar la extraña comedia de amor Otakus in Love, o la catalogada como “esquizofrénica” Welcome to the Quiet Room. Siguiendo esta línea, el film no decepciona.a-farewell-to-jinu.38406 2

En esta ocasión Matsuo nos propone a un joven llamado Takeharu (Ryuhei Matsuda) con una terrible alergia al dinero. En consecuencia, decide moverse a un pueblo sin apenas habitantes donde pretende trabajar solo a cambio de comida. Sin embargo, Takeharu acaba ahorrando mucho dinero, un hecho del que se acaba enterando un gánster (YosiYosi Arakawa), que intentará quitárselo. Este argumento nos proporcionará dos horas de momentos divertidísimos tanto en diálogos como en gags y algunas actuaciones impecables, en especial la de Toshiyuki Nishida, que ya era conocido fuera de Japón por su papel de Pigsy en la primera temporada de la serie de televisión Monkey.

No obstante también nos encontramos con la dolencia habitual de Matsudo a la hora de narrar. La película en sí parece estar compuesta por un montón de sketches pegados uno tras otro, con una sobreabundancia de subtramas impropias de una comedia, lo que debilita mucho el protagonismo de Takeharu y hace que las dos horas puedan hacerse, para algunos,  excesivas.

En definitiva, el visionado es muy apropiado para los que busquen escenas divertidas, muy bien interpretadas, e incluso con un cierto toque surrealista, pero no para los que busquen el desarrollo de una buena narrativa.

Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: días 2 y 3 de noviembre, a las 17:30 y 19:45 horas, respectivamente

Wood Job! (Shinobu Yaguchi, 2014)

¡Qué injusto e incoherente resulta el mundo a veces! ¿Por qué el valor personal de los jóvenes se ve ligado únicamente a su éxito académico? ¿Por qué el amor se ve tan frecuentemente convertido en simple interés social? ¿Qué fue de ese sencillo pero bestial estilo de vida basado en la naturaleza y la espiritualidad? ¿Realmente podemos permitirnos observar nuestras urbes y afirmar con orgullo que esto es el “progreso”?

Estas son algunas de las cuestiones cuidadosamente encriptadas en el guion de Wood job!, que prefiere venderse en un primer momento como una comedia ligera y poco escrupulosa. Nada más lejos de la realidad. Wood Job aborda, de forma profunda pero aparentemente complementaria, una gran variedad de temas y reflexiones. Y lo hace de un modo satisfactorio, sin golpearte en la cara con moralejas forzadas y cargadas de esa exasperante superioridad ética tan común en las obras de su mismo palo.

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Estas meditaciones vienen canalizadas por Shôta Sometani, en el papel de estudiante fracasado, y por Hideaki Itô, quien interpreta a su extravagante maestro en la nueva disciplina que aborda. Las actuaciones de ambos, aunque un poco forzadas en los momentos supuestamente cómicos, resultan creíbles y hasta entrañables en momentos puntuales del film. Sin embargo, palidecen ante el evidente e indiscutible protagonista de la película: la fotografía. Y no nos estamos expresando de forma figurada. Los impresionantes planos generales del mundo rural japonés otorgan a la montaña y a sus bosques personalidad propia, interactuando con Shôta y compañía como lo haría un personaje más.

Al alcanzar los créditos finales, raro será el espectador que no haya quedado infectado por el contagioso espíritu de esta película. Ver Wood job! conlleva relajarse, reírse un poco, apreciar el paisaje natural japonés y, en definitiva, desear ser un hombre de la montaña.

Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: días 8 y 9 de noviembre, a las 18:00 y 20:00 horas, respectivamente

Frankenstein (James Whale, 1931)

La primera aparición de Frankenstein en el cine nos sorprendió muy gratamente debido a su modernidad. No hay que olvidar que el séptimo arte había empezado a andar hace apenas cuarenta años, y que llevaba hablando como mucho seis en el momento en el que se estrenó este clásico de terror. Y ya desde el inicio de la película, que comienza con un barrido de cámara mostrándonos a todos los asistentes a un entierro, uno se percata de que está siendo testigo de algo diferente.

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El ritmo de Frankenstein va más allá de la rapidez, cosa que se puede deber a posibles hachazos en la sala de montaje, lo que impide cualquier momento de pausa. Apenas hay un par de escenas en las que la película se permite un poco de humor y romance, dejando la mayor parte del metraje al lucimiento de ese inmenso Boris Karloff -al que se le otorga el único primerísimo primer plano de toda la película- que, sin decir una palabra, consigue representar a la perfección la complejidad psicológica del monstruo. La influencia del expresionismo alemán en los decorados y la fotografía del film es notable, utilizando las sombras y la oscuridad para resaltar aún más la atmósfera gótica y terrorífica que envuelve a esta historia. Además, la cámara sirve como pretexto para ahondar en la escabrosidad moral de lo que se nos cuenta, mostrando imágenes inclinadas y sacando el mayor partido a la penumbra de los decorados.

Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: día 8 de noviembre, a las 18:00 horas

La mosca (Kurt Neumann, 1958)

Basada en el relato corto de George Langelaan, pero mucho más relacionada popularmente con su remake de 1986, La mosca es un film dirigido por Kurt Neumann y protagonizado por Al Hedison,  Patricia Owens y Vincent Price.

La gran virtud de esta película es, sin ninguna duda, su ingenioso guion plagado de planteamientos lo suficientemente interesantes como para obviar amablemente los puntos flacos de la obra. Es cierto que las actuaciones no son algo magistral. Vince Price mantiene a flote la calidad en este aspecto, en contraposición a Patricia Owens, cuya interpretación transmite menos credibilidad que el método científico aplicado por Al Hedison en su papel de inventor revolucionario. Tampoco destaca en la forma, ya que está rodada de un modo correcto pero tradicional.

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Centrándonos en los aspectos positivos, una vez finalizado el visionado, el conjunto justifica ampliamente el prestigio del que goza. Y es que La mosca engancha. Consigue crear tensión en todo momento. No importa que se conozca cómo va a finalizar el hilo argumental: necesitas permanecer sentado y presenciarlo. Seguramente este magnetismo morboso se lo brinde la segunda parte del metraje, momento en que la ciencia ficción da paso al terror y deja para la posteridad y grabadas a fuego en nuestra memoria escenas tan escalofriantes como el dantesco desenlace final.

No es la clase de película que entretiene un rato para caer luego en el olvido. Es la clase de película que causa un impacto visual y conceptual importante. Es, finalmente, una buena película y una cita ineludible para cualquier cinéfilo amante de la ciencia ficción y el terror.

Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: día 10 de noviembre, a las 20:00 horas

La noche avanza (Roberto Gavaldón, 1952)

Nos encontramos ante un ejemplo elevadísimo de la época de oro del cine mexicano, comprendido entre 1936 y 1959, y en la que la industria fílmica mexicana alcanzó su mayor nivel de producción y calidad en parte gracias al descenso en la posguerra de la competencia cinematográfica europea.

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En este caso, Gavaldón se introduce en el cine negro americano de los cincuenta, aunque adaptado a la realidad mexicana. Así, encontraremos el juego de pelota vasca -muy popular en aquellos años- y a raíz de ello, el mundillo de las apuestas. El lugar más simbólico de esta película es el cabaret, pues además de ser el paradigma de los escenarios mexicanos, permite al director recrear ese ambiente de oscuridad, engaños y fatalismo que reinan en la película. Por tanto, el desarrollo de la trama ocurre mayoritariamente de noche y en un contexto urbano donde las ilusorias esperanzas de los personajes se ven sometidas por la cruda realidad. Destaca la interpretación de Pedro Armendáriz -habitual ya en esta época de oro- en el papel protagonista de Marcos Arizmendi.

En resumen, esta película es la más indicada para los amantes del cine negro, pues combina las constantes propias del film noir -juegos de luces y sombras, ambiguos destellos de dignidad…- con los elementos más genuinamente mexicanos, como las canciones de bolero en el cabaret, cuyo pesimismo encaja perfectamente en el sentimiento de la película.

Lugar: Filmoteca de Zaragoza

Proyección: días 8 y 10 de noviembre, a las 20:15 y 18:00 horas, respectivamente

 

El otro lado de la esperanza (Aki Kaurismäki, 2017)

Nos enfrentamos a un producto extraño. Una comedia sin sonrisas y un drama desprovisto de llantos. El otro lado de la esperanza nos narra dos historias que realmente son una misma, la cara y la cruz de una sociedad que se ha perdido en sí misma.
El otro lado de la esperanza (2)

Por un lado seguiremos los pasos de Khaled, un joven inmigrante sirio en busca de su hermana perdida. Khaled, que ha vivido en sus carnes el martirio de los belicosos instintos humanos, se verá aplastado por la burocracia de un país que parece ignorar a quienes solo buscan los despojos de una vida pasada. Apartado forzosamente de la legalidad, deberá hacer frente a la amplia gama de reacciones que su presencia provocará en los habitantes de un país que resultará mucho menos desalmado que sus fríos protocolos administrativos.

Wikström, por su parte, es un hombre que, aborrecido de una vida desgastada y sin perspectivas, dejará atrás su pasado para dar comienzo a un futuro más caótico y atrevido. Wikström busca, en esencia, lo mismo que Khaled. Un cambio que ponga fin a una vida mediocre y sin salidas.

El otro lado de la esperanza

Una vez entrelazadas las dos corrientes argumentales, también quedan ligados los géneros que las componían. Tragedia y comedia negra se alternan y combinan de forma un tanto caótica y surrealista. Puede que, como nos ocurrió a nosotros, esta aleación resulte algo desconcertante por momentos, pero el resultado global lo compensará con creces.

Técnicamente, resulta notable el trabajo de Timo Salminen, quien nos brinda una fotografía que, en contraste con el guion, resulta colorista e impactante al tiempo que unos primeros planos inmersivos y da al espectador la sensación de ser capaz de dirigirse a los propios personajes.

El otro lado de la esperanza resulta desconcertante, emocionante y frustrante en todo momento. Todos los elementos aparentemente antagónicos del metraje coexisten en una extraña simbiosis. No es una obra redonda, ni mucho menos, pero sí una obra necesaria. No está de más verla para recordar esas segundas vías que también conducen, en cierta forma, a la esperanza.

Lugar: Cine-club Cerbuna

Proyección: días 4 de noviembre, a las 19:00 y 22:30 horas; día 5 de noviembre, a las 19:00 y 21:30 horas

Un comentario sobre “Delitos y cine: programación de la Filmoteca y el Cerbuna

  • el 31 octubre, 2017 a las 6:07 pm
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    ¡Qué alegría haberme encontrado con esta reseña! Desde luego, es un placer descubrir que aún hay gente comprometida con el cine en Zaragoza y que está dispuesta a difundirlo. Además el placer es doble si demuestran una pasión y unos conocimientos tan profundos. Mi enhorabuena, espero seguir leyendo muchas más de estas programaciones.

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